María - profesor de dibujo - Madrid
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María

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María - profesor de dibujo - Madrid
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Clases de dibujo y pintura. Licenciada en Bellas Artes, con más de veinte años de formación en diversas técnicas pictóricas en prestigiosas academias de pintura en Madrid, Florencia y Nimes. Arteterap

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Lugar de las clases

Superprof Estrella

María forma parte de los mejores profesores de Dibujo. Perfil de calidad, excelencia en su formación, responde rápidamente, organiza de inmediato la primera clase, y cuenta con excelentes opiniones de parte de sus estudiantes, ¡sus alumnos le adoran!

Acerca de María

Licenciada en Arte (además de en CC. Económicas), con más de veinte años de formación en diversas técnicas pictóricas en prestigiosas academias de pintura en Madrid, Florencia y Nimes. Mi inclinación natural es el retrato, aunque también profundizo en otras temáticas. Mi obra se exhibe en diversas exposiciones colectivas en galerías madrileñas así como en dos plataformas online de Arte.
Dispongo de certificación universitaria como experta en Arteterapia por la UMC, estudios que complemento con seminarios regulares impartidos por la British Association of Art Therapists (BAAT). Ello me ha permitido constatar que la práctica del dibujo, la pintura y las manualidades no solo mejoran la capacidad artística y el conocimiento del mundo del Arte, sino que también fomentan el desarrollo de la psicomotriz fina, la concentración, la introspección, la paciencia y la autoestima de grandes y pequeños. Al tiempo de impartir mis clases, a mis alumnos les hablo de forma distendida de pintores, determinadas obras de arte, movimientos artísticos, ... de forma que aprenden historia del Arte de forma natural y distendida.
Por otro lado, soy miembro de la Fundación de Amigos del Museo del Prado, participando sus diversas actividades y seminarios periódicos. Fruto de esta labor de formación continua e investigación, redacto un blog de Arte que en la actualidad cuenta con más de artículos ampliamente documentados.
Como madre de dos niñas, imparto talleres de Arte en su colegio. Interesada en conocer la evolución de la psicología de los niños, participo en los cursos anuales de Escuela de Padres del reputado pedagogo y filósofo José Antonio Marina.

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Sobre la clase

  • Básico
  • Intermedio
  • Avanzado
  • +1
  • niveles :

    Básico

    Intermedio

    Avanzado

    Para Niños

  • Español

En cuáles idiomas se da la clase :

Español

Realizo clases adaptadas al nivel psicomotriz de cada niño-a alumno-a y sus preferencias, guiándolo para lograr avances que potencian su autoestima, concentración, paciencia y destreza manual. Al tiempo de impartir la clase, les explico la historia de algún artista, de una obra en concreto o de movimientos artísticos. De esta manera aprenden Historia del Arte de manera natural.

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Precios

Tarifa/h

  • US$35

Tarifas de los paquetes por horas

  • 5h: US$174
  • 10h: US$348

Virtual (online)

  • US$35/h

Conoce más acerca de María

Conoce más acerca de María

  • ¿Cuándo has comenzado a practicarlo? ¿Cómo lo has descubierto?.

    Mis padres dicen que empecé a dibujar y pintar desde que apenas levantaba unos palmos del suelo, con lápices o incluso con la salsa de tomate sobre el plato. Me gustaba convertir en una bicicleta o una flor el precinto metálico de las botellas de champán y también perpetré algún que otro destrozo a los vestidos de mi madre para trabajar la técnica del collage ;-)

    Pero lo decisivo llegó más adelante, al entender que el arte no es solo “hacer cosas bonitas”: es una forma de mirar, de pensar y de comprender el mundo. Con los años, mi camino se fue haciendo cada vez más transversal: formación práctica (Universidad, talleres tanto en España como en Italia, Francia y Estados Unidos, ejercicio con diversas técnicas y materiales -no solo dibujo y pintura, también cerámica y tallado en madera) y formación teórica (graduada en Historia del Arte, Máster en Investigación en Historia del Arte, Máster en Gestión Cultural, graduada universitaria en España y por la British Association of Arttherapists como Arteterapeuta y por supuesto, la continua lectura crítica y viajes con objetivos culturales). Esa mezcla de "mano y mirada", técnica y sentido, teoría y práctica, es lo que me atrapó para siempre.
  • ¿Qué artistas u obras te han marcado más profundamente?.

    Me han marcado artistas que enseñan a mirar y a sentir a la vez. Velázquez por su inteligencia visual y su dominio de la composición, Goya por su potencia ética y narrativa, los grandes maestros del Museo del Prado (Bosch, Rafael, Van Dyck, Fortuny…) por su capacidad de convertir la técnica en emoción y pensamiento y, también, el arte contemporáneo y la cultura visual, que nos obligan a leer imágenes en un mundo saturado de ellas.

    Más allá de los nombres más mediáticos, también investigo la obra de artistas profundamente valiosos que, por distintas razones, no han ocupado siempre el lugar que merecen en la historia. Así por ejemplo, siento una especial afinidad por las obras de mujeres artistas que, durante siglos, no tuvieron acceso a las academias de Bellas Artes ni a los circuitos oficiales de formación y exhibición, y que, aun así, lograron desarrollar lenguajes extraordinariamente ricos, personales y valientes. Su trabajo no solo es relevante a nivel artístico, sino también humano, porque nos habla de resiliencia, creatividad y búsqueda de identidad en contextos de limitación.

    Del mismo modo, me interesa incorporar a las clases el descubrimiento de artistas pertenecientes a otros colectivos históricamente menos visibles, cuya producción ofrece miradas diferentes, necesarias y muy enriquecedoras. Esto permite ampliar el horizonte del alumno, haciéndole entender que la historia del arte no es un relato cerrado, sino un territorio vivo, en constante revisión.
    Creo firmemente que este enfoque contribuye a una comprensión más profunda, crítica y diversa del arte, y además conecta de forma muy directa con la experiencia personal del alumno, reforzando su implicación, su capacidad de reflexión y su sensibilidad hacia el proceso creativo.

    Me interesa tanto el “gran museo” como las imágenes que hoy circulan en redes, publicidad o fotografía contemporánea pues todo forma parte del ecosistema visual que habitamos.
  • ¿Cuáles son las cualidades necesarias para tener éxito en este ámbito?.

    Diría remarcaría hay cinco claves esenciales:

    Curiosidad: el arte se alimenta de preguntas, no de respuestas rápidas.
    Constancia: el progreso real es acumulativo, casi invisible día a día… hasta que un día “aparece”.
    Observación: aprender a ver de verdad (proporción, luz, valores, color, gesto).
    Tolerancia a la imperfección: el error no es un fracaso, es información para ajustar el siguiente paso.
    Cultura visual transversal: técnica + historia + contexto. Entender el “por qué” fortalece el “cómo”, y viceversa.
  • Danos un consejo para progresar sin perder las ganas.

    No soy de dar consejos pero no me importa compartir el aprendizaje que he extraido de mi experiencia que no es otro que el cambiar la meta del “ser perfecto” por la de “ser constante”.
    Trabajar con objetivos retadores pero acotados y alcanzables en el punto desde el que se comienza y como no, celebrar cada avance. Y, cuando algo no salga tal como figuraba en nuestra mente, evitar autobloqueos, volviendo a lo esencial: mirar, respirar y hacer una pequeña acción (un trazo, una sombra, una mancha). Esa pequeña acción reabre el camino.

    Además, no subestimar el poder de alternar práctica y teoría: una visita al museo o una lectura breve bien elegida pueden reencender la motivación de manera inmediata.

    Y por supuesto, saber a quién escuchar cuando vierten opiniones sobre el trabajo realizado. No olvidemos tantos y tantos artistas que fueron incomprendidos en su época y cuya pasión hizo cambiar y ampliar el rumbo de la Historia del Arte...
  • Ayúdanos a comprender tu pasión. ¿Qué te aporta? ¿Alguna otra que compartas?.

    El arte me aporta tantas cosas que no sabría ni por donde empezar, pero como he de responder a la pregunta, diría que las cuatro cosas fundamentales podrían ser:

    Presencia: te obliga a estar aquí y ahora (mirar, medir, decidir).
    Sentido y entendimiento de lo que nos rodea: te entrena para leer el mundo con más profundidad. La expresión artística nos define como seres vivos y permite expresar a través de la imagen conceptos complejos para los que en ocasiones las palabras se quedan cortas.
    Bienestar: tiene un efecto regulador, emocional y terapéutico; lo he visto muchas veces en mí y en otras personas. Curso el grado en Psicología y me ha permitido encontrar una explicación científica a esta afirmación, y es que se generan hormonas que inducen al bienestar además de a activar estructuras cerebrales que no se ejercitan en otro tipo de actividades.
    Apertura a nuevas formas de disfrutar: el proceso de observación que caracteriza la expresión creativa se despliega a continuación a otros ámbitos, por ejemplo, haciéndonos apreciar con mayor profundidad de la extensa variedad cromática que nos ofrece la Naturaleza.

    Además de la práctica artística, me apasiona la historia del arte y la investigación: leer, conectar ideas, descubrir cómo una imagen “sobrevive” a través del tiempo y reaparece transformada en la cultura contemporánea. Esa búsqueda constante es parte de mi identidad y de mi manera de enseñar.
  • ¿Estás orgullosa de los trabajos que has realizado hasta ahora?.

    Sí, y lo digo con humildad y alegría. No porque todo sea perfecto, sino porque cada trabajo representa un paso: una técnica aprendida, una mirada afinada, una idea comprendida o una emoción canalizada. En arte, el valor no está solo en el resultado final, está también en el proceso y en la evolución que lo sostiene.
    Y, si hay algo de lo que me siento especialmente orgullosa, es de mi faceta docente: ver cómo cada alumno encuentra su lenguaje y su ritmo, y cómo eso repercute en su confianza.
  • ¿Te ha impresionado la evolución de un/a alumn@ o capacidades especiales?.

    Muchísimas veces. Hay evoluciones técnicas muy rápidas, pero las que más me emocionan son las internas: cuando alguien pasa de “no puedo” a “voy a intentarlo”. Cuando aprende a mirar sin juzgarse. Cuando descubre que el arte no solo mejora su dibujo, sino también su autoestima y autoconcepto.
    En este sentido, es particularmente satisfactorio el trabajo en talleres con personas que han vivido experiencias vitales difíciles que han generado un trauma o que necesitan un entorno especialmente cuidadoso. Mi formación en arteterapia (en España y con formación complementaria vinculada a la British Association of Art Therapists) me ha facilitado herramientas para acompañar procesos con sensibilidad, estructura y respeto por el ritmo de cada persona.
  • ¡Ser una Superprof es todo un arte! ¿Cuál es tu secreto?.

    Mi “secreto” es muy sencillo: mezclar rigor con calidez, entendiendo como tal:

    Rigor: técnica academicista, observación, método, objetivos claros retadores pero alcanzables.
    Calidez: adaptar la clase al nivel real del alumno, cuidar la confianza, hacer del aprendizaje un lugar seguro y motivador.

    Y añado algo más: creo profundamente en el enfoque transversal. Por eso integro, cuando es posible, visitas guiadas a museos y actividades de lectura visual: el museo no es un “extra”, es un acelerador de aprendizaje. Ver obras originales, entender su contexto y luego volver al taller transforma el progreso del alumno, tanto en lo práctico como en lo académico.
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